“EL EXPRESO DE MEDIANOCHE” (1978)

 

Ficha Técnica:

Titulo original: “Midnight express”

Año: 1978

País: Reino Unido / USA

Duración: min. Director: Alan Parker

Guión: Oliver Stone

Producción: Peter Guber, Alan Marshall y David Puttnam

Fotografía: Michael Seresin

Música: Giorgio Moroder

Montaje: Gerry Hambling.

Reparto: Brad Davis, Irene Miracle, Bo Hopkins, Paul L. Smith,  Randy Quaid, John Hurt, Paolo Bonacelli, Norber Weisser.

Sinopsis: Un joven estudiante llamado Billy Hayes es capturado en un auropuerto de Turquía cuando trataba de sacar cierta cantidad de hachís del país para venderla en su USA natal. Tras ser ingresado en prisión comienza su calvario dentro de un sistema penitenciario inhumano y en un ambiente de degradación física y moral absoluta. La supervivencia y la cordura se tornarán una prioridad ante los abusos y la violencia de la que tanto él como sus nuevos amigos serán objeto.

Crítica:

La mítica en torno al título:

“El expreso de medianoche” (Alan Parker. 1978) es uno de esos títulos míticos y sempiternos dentro del subgénero del drama carcelario. Su aura y fama le preceden desde básicamente el mismo momento de su estreno allá por finales de los años 70, y lo cierto es que es un film que ,pese a haber sido estrenado hace más de 40 años, se mantiene como un film perennemente impactante y con temas universales que siempre están de actualidad. Fue tal el impacto que la película generó en su aparición que se lo considera aún a fecha de hoy como un título “non grato” y verdaderamente polémico en determinados países, llegando a generar casi conflictos de índole social debido al brutal dibujo que hace del sistema penal y penitenciario de los turcos.  

 Pero vayamos a la fuente misma, y al germen que dio lugar a la historia: Hacia el año 1970 un joven americano llamado Billy Hayes trata de sacar droga de Turquía durante un viaje post estudios y resulta preso en el pais. Allí permanecerá hasta que logra fugarse en 1975. Posteriormente escribirá un libro basado en sus avatares carcelarios en ese pais y este será llevado al cine en 1978 con guión del por aquel entonces novato pero prometedor guionista Oliver Stone, directamente basado en las páginas del libro autobiográfico de Hayes. Vemos que aquí, curiosamente y de manera contraria a muchos otros casos, el nombre del protagonista queda tal cual es en la vida real y no se trata de disimular u ocultar su verdadera identidad, en lo que parece un verdadero manifiesto de autenticidad. Aunque el propio Billy Hayes de la vida real reconocería más tarde que algunos de los pasajes más salvajes de su libro fueron exageraciones o magnificaciones de lo que en realidad sucedió. En el film por tanto aparecen igualmente determinadas incorrecciones o sucesos que no se ajustan a la realidad objetiva de lo que ocurrió en su momento. Un ejemplo de ello es la muerte del maligno carcelero Hamidou, que en realidad no resultó muerto en un enfrentamiento con Hayes sino que fue asesinado por un antiguo convicto que se vengó de él por los malos tratos recibidos en la cárcel, y el cual lo mató a tiros cuando este se encontraba en un bar.  

 En un principio y según parece se barajaron otros nombres antes del de Parker para hacerse cargo de la dirección de la cinta. Uno de ellos fue Ken Russell , quien en aquellos momentos estaba ocupado en otros menesteres , por lo que declinó la oferta. Otro de los directores a quienes se ofreció el proyecto fue a Michael Cimino , pero también estaba inmerso en plena producción de su gran obra maestra “El cazador” (1978). Finalmente las circunstancias hicieron que el proyecto cayese en manos de Parker, director heredero de la conocida como “generación del videoclip” quien venía de dirigir “Bugsy Malone” (1976) , amén de algún telefilm y diversos cortometrajes. Parker, antes de comenzar el rodaje decidió escribir una carta a todos los miembros del equipo para que esta sirviera como “declaración de intenciones”. En ella, el británico afirmaba que pretendía realizar un film carcelario crudo, directo y sin concesiones. Nada de héroes ni de momentos demasiado excelsos o gloriosos.  

 El actor-protagonista Brad Davis fue seleccionado personalmente por Parker después de haber audicionado a “practicamente todo actor joven estadounidense que se había cruzado en su camino en aquellos días”. El retrato que Davis hace de Billy Hayes es realmente desgarrador, rozando por momentos el patetismo. Con un evidente ejercicio de interiorización , y llevando al personaje a los extremos, pasando por casi todos los estados de ánimo posibles. Padeciendo la violencia y ejerciéndola en otros, cuando las circunstancias le llevan a ello, en un verdadero ejercicio por la supervivencia.  

Una evasión con nombre de tren:

El film engancha ya desde los primeros fotogramas con Billy preparando el “transporte” de numerosas tabletas de hachís que se adosa al cuerpo antes de dirigirse al aeropuerto. Ya allí sufre diversos momentos de tensión en los que sospechamos que va a ser descubierto en cualquier momento. Y es que si hay un sentimiento constante que transmite la película es el del desasosiego, el nerviosismo y la inseguridad. En todo momento sospechamos que el siguiente peligro que se le va a presentar a nuestro protagonista es palpable , y se encuentra a la misma vuelta de la esquina. Así pues , tras pasar un par de controles iniciales , mientras va a subir al avión con su novia y el en último momento una última inspección de índole anti-terrorista hace que Billy sea descubierto con toda la droga encima . “Elegiste un mal momento para marcharte Billy, en estos días ha habido varios atentados en aviones y hay mucho control” , le dirá más tarde otro de los personajes de la trama. Y así la mala suerte hace que Billy de con sus huesos en un calabozo de mala muerte donde conoce al desagradable Rifki , y donde por coger una manta ya le son propinados los primeros malos tratos en una escena bastante desoladora.   

 Comienza la burocracia y el tema judicial con cónsules y abogados para gestionar el caso de Billy y poder sacarle de la cárcel sin demasiada demora. Al principio se lo pintan bien, o al menos no muy mal, con cierto optimismo dentro de la gravedad del caso. Pero conforme va pasando el tiempo la verdadera naturaleza de la situación se va tornando más oscura y desesperanzadora. De esa manera y tras un primer juicio, nuestro protagonista es sentenciado a 4 años de reclusión. 

 Billy adopta inicialmente una posición de sumisión y de obediencia, y por consejo de su padre y abogado trata de mantener un perfil bajo. Va viviendo su vida en la cárcel, acostumbrándose a su rutina y familiarizándose con sus gentes y costumbres, algunas de las cuales ,como no podía ser de otro modo resultan ser realmente crueles. En ese ambiente será testigo de como funciona el sistema de ese país desconocido para él y va haciéndose una idea de las probabilidades de supervivencia en ese lugar hostil. La “venganza turca” , por ejemplo es un método por el cual los convictos turcos ajustan cuentas con otros reclusos sin arriesgarse a que su condena sea endurecida, y el cual consiste en apuñalar los gluteos o piernas de su víctima, siempre por debajo de la cintura y en lugares dolorosos pero no mortales. De esa manera , no pueden ser acusados de intento de asesinato..  

 Uno de los momentos más memorables de la historia es la escena del castigo a cuatro menores con los hijos del carcelero delante como testigos. En ella y debido a un abuso sexual en el pabellón de los menores (si, niños y adultos comparten espacios carcelarios con cierta frecuencia) los cuatro infantes más conflictivos son elegidos y casi por azar , castigados con duros golpes en las plantas de los pies como represalia . La parsimonia y frialdad con la que Hamidou , el guardia (magistralmente interpretado por el actor americano Paul Smith) , ejecuta los maltratos y castigos sobre los presos es tan patente que hiela el alma.

Dentro de la prisión Billy solo tiene tres amigos: Max ( un heroinómano frágil y descuidado de escasas luces aunque de buen corazón), Jimmy (un preso con cierta bipolaridad en el comportamiento ,obsesionado con fugarse) , y Tex (un tranquilo presidiario con la cabeza bastante bien amueblada , sensato y calmado, de ciertas tendencias homosexuales) . Ellos son el único punto de apoyo de Billy y junto a algunos de ellos realiza varios intentos de fuga , todos infructuosos , que no obstante le ayudan a mantener la cordura y la esperanza.  

 Un nuevo golpe es sufrido por Billy cuando el cónsul le comunica que se ha apelado su sentencia y ahora piden la cadena perpetua. En dicho momento algo en su mente hace click y toma conciencia de que la única salida es escaparse por todos los medios posibles y la supervivencia se torna más importante que nunca. En una de las escenas clave y durante un diálogo Max le confiesa a Billy durante uno de sus momentos de lucidez que la única forma de salir de allí es “El expreso de medianoche” , que no es un tren , sino la manera en que ellos dentro de su jerga carcelaria denominan a la fuga. Tras diversas vicisitudes Billy es llevado a la zona de enfermos mentales tras un salvaje ataque contra Rifki al cual deja malherido, lo cual paradógicamente al final le lleva a poder planear un último intento de fuga para pasar hasta Grecia y de allí conseguir la libertad.  

Filosofía sobre el castigo:

Quizás uno de los puntos más interesantes del film es el de la manera en como este actúa como un verdadero revulsivo social en lo referente a lo que se considera punible y los motivos de ello. ¿Hasta que punto es un castigo justo y equitativo con respecto al crimen cometido? Esto se refleja tremendamente bien en la escena del segundo juicio en donde se debate la perpetua para Billy. Cuando a este le toca hablar reflexiona en voz alta frente al juez sobre como es una sociedad la que marca las pautas de la moral y no al revés...En como algo se considera cuestionable porque la mayoría asi lo decide y no porque realmente el acto en sí encierre nada intrínsecamente malo per se.

Y es que como el propio Hayes dice “No se puede meter a todo el mundo en la cárcel” , y por eso hay que seleccionar qué actos castigar y cuales no. En ese sentido este film podría ser todo un objeto de apertura de debate en facultades de derecho de la misma manera que lo son por ejemplo filmes como “Vencedores y vencidos” o “Sabotaje “ de Hitchcock , porque la película encierra un discurso muy claro y a la vez muy interesante y que da pie a filosofar. Por ejemplo el personaje de Rifkin siempre se sale con la suya no porque goce de la simpatía de los carceleros ni nadie dentro de la cárcel (muy al contrario todos le detestan) sino que es respetado porque posee más dinero que el resto, lo cual le hace subir de estatus en un lugar donde reina la miseria física y moral.  

 Otra de las conclusiones que parecen sacarse de su discurso es que la cárcel no sirve (al menos en el caso que nos ocupa) para reinsertarse. El brutal sistema de las prisiones de determinados países no poseen esa función “rehabilitadora” del preso y tan solo cumplen con el papel de desquite social y el castigo cruento. Apartar a los que no se considera útiles de la vida social y abocarlos a la miseria atroz sin la intención de mejorarlos como personas , sino todo lo contrario. Una vez más las divagaciones del protagonista son reveladoras en ese aspecto cuando encarándose al fiscal esgrime el hecho de que el nivel moral de una sociedad debería estar basado en su capacidad de perdón y no en su potencial para castigar a los individuos sin piedad. Aunque como él mismo reconoce, tratar de que ciertos individuos entiendan algo así sería “como pedirle a un oso que defeque dentro de un retrete” . Y son realmente esos momentos en los que Alan Parker decide recrearse más y más en ese pesimismo que invade su película y que solo parecen disiparse al final de la misma y en los últimos instantes, como si tratase de mantener a los espectadores acogotados con una manos en la garganta para obligarlos a meditar sobre lo que están viendo hasta que decide soltarlos y dejarles respirar una bocanada de aire.  

 “El expreso de medianoche” supuso un film verdaderamente polémico en su estreno, al ser considerado por muchos como una especie de ataque contra Turquía y su sistema judicial, llegando a suponer un trauma a muchos niveles y que hizo temer incluso que el turismo a dicho pais se redujera drásticamente por verse el público horrorizado ante el retrato atroz y despiadado que se hacía de la nación, y que además estaba de hecho basado un un suceso real.

Título básico del cine carcelario:

Los 70 fue una década que dio , al menos tres o cuatro obras maestras del cine carcelario. Tras la magnánima e igualmente imperecedera “Papillón” (1973) de Franklin J. Schaffner , probablemente el título que nos ocupa sea el más representativo del subgénero dentro de esa década. Y lo cierto es que pese a contar con un antecedente casi directo tan potente y exitoso, “El expreso...” es capaz de imponerse con un carácter y tono propios que la hacen merecedora de todo el culto y fama que ha ido generando a lo largo del tiempo y hasta hoy día, donde la sola mención de su título dará que hablar seguro entre los aficionados al cine.

De hecho no sería seguramente exagerado afirmar que este título del que hablamos marcó un punto de inflexión en cuanto al todo del cine carcelario y que de alguna forma, ya fuera de manera consciente o no, fue seguida por otros realizadores con posterioridad a lo largo del tiempo. No podemos saber si filmes como “La milla verde” (Frank Darabont. 1999) ó “Cadena perpetua” (Frank Darabont. 1994) – Esta última considerada ampliamente por muchos como una de las mejores películas de todos los tiempos – serían lo que son de no haber tenido un precedente como este que inspirara muchos de sus pasajes y el tono de algunos momentos, pero lo que sí es seguro es que la sombra de “El expreso de medianoche”, como la del ciprés , es alargada , y podemos ver su influencia reconocida en muchos títulos que le siguieron , tales como “Brubaker” (Stuart Rosenberg. 1980) ó “Fuga de Alcatraz” (Don Siegel. 1979) , algunas de las cuales trataban de superar el impacto de esta, mientras que otras sencillamente bebían de aquella para inspirarse de algún modo en su imaginario.

Para el recuerdo nos quedan escenas icónicas, como el del primer y lastimoso intento de Billy de escapar de la situación tras tratar de inculpar al taxista y correr por las calles de Estambul para ser sorprendido pistola en mano por su homónimo americano. Todo al ritmo paranoico y pegadizo de la pieza “The Chase” de Giorgio Moroder en su versión más “light”, eso si. O el brutal arrancamiento de lengua del chivato Rifki , como represalia y al cual Billy ataca en medio de un brote de ira y locura tras presenciar una gran injusticia , colmando esto el vaso de su ya trastocada y frágil mente.  

 

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LOS CAZAFANTASMAS (1984)

 Ficha técnica:

Director : Ivan Reitman.

Con : Bill Murray ( Peter ) , Dan Aykroyd (Ray), Harold Ramis (Egon) Sigourney Weaver(Dana ), Rick Moranis (Louis).

Guión: Dan Aykroyd, Harold Ramis y Rick Moranis.

Música : Elmer Bernstein.

Producción: Ivan Reitman, Joe Medjuck, Michael C. Gross y Bernie Birllstein.

Fotografia : Laszlo Kovaks.

Duración: 105 minutos. 

 SINOPSIS : “Tres científicos y expertos en parapsicología que trabajan en una universidad de Nueva York fundan un grupo para cazar presencias fantasmales con sus conocimientos científicos. Cuando son echados de dicha universidad deciden instalarse en un local abandonado y convertir la actividad de cazadores de fantasmas en su empleo y modo de vida. Su presencia será más necesaria de lo que creen cuando una presencia sobrenatural muy poderosa accede al mundo terrenal a través de un rascacielos que actúa de “puerta” interdimensional , utilizando además a dos de sus vecinos como “esbirros” para facilitarles el paso a nuestra realidad.”

 CRITICA:

En 1984 Ivan Reitman , quien en ese momento era un prometedor director que (y a pesar de haber dirigido “Mujeres caníbales”(Cannibal girls” Ivan Reitman 1973.), film de semi - género que con el tiempo se transformaría en un clásico de referencia) apuntaba al encasillamiento inevitable como una de las grandes promesas del género cómico , dirigió uno de los títulos más conocidos y preferidos de los fans de la comedia fantástica y que más culto generaría en su década. Reitman tampoco era ejeno al género fantástico y abiertamente terrorífico ,pues havia ejercido de productor de algunas de las primeras películas de David Cronenberg , como “Rabia” (“Rabid” D. Croneberg. 1977) y “Vinieron de Dentro de.. (“Shivers” Aka “Parasite murders”D. Cronenberg .1975) .

Los cazafantasmas es una película “apta para todos los públicos” pero de esos filmes que , cuando se ven a una corta edad son literalmente inolvidables”. Por su impacto y por el dinamismo que su historia y personajes transmite de manera inevitable. Un compendio o si queremos pastiche de ingredientes , tópicos, situaciones.. que se ponen al servicio de uno de los films claves del fantástico en la cultura popular moderna.

Pero los “Cazafantasmas” es mucho más que una simple película de entretenimiento fantástico y con monstruitos. Se trata de una de las mejores “deconstrucciones de cine de fanta-terror” de las últimas décadas. Un film donde la comedia y el terror son ensamblados de manera inteligente y que no se limita al mero homenaje o muestra de arquetipos amontonados uno tras otro (como si hace por ejemplo la más reciente y en mi opinión,  sobrevalorada “La cabaña en el bosque” (“A cabin in the Woods” Drew Goddard. 2012 ).  Aquí las referencias están más o menos claras , y son continuadas. Pero se las dota de una personalidad y de carácter y se las convierte en “propias”.

Tenemos ya  en los cuatro protagonistas , caracteres arquetípicos de muchas “Buddy movies” y cine de personajes: Por un lado Peter Venkman . Ligón, pasota , grosero,  presumido, irreverente, impulsivo e inmaduro. Ray stantz : Laborioso y entusiasta  pero inseguro, miedoso , y torpe. Egon Spengler : El más científico e ilustrado, intelectual, realista y emprendedor… A los que se une Winston , de raza negra. Un personaje complementario , arquetípico , espontáneo y que añade carácter y profundidad representando a la “minoría étnica” que ayuda , de menara desinteresada y haciendo suya la causa a partir de ese momento. Winston representa ese contraste con su carácter casi propio de la Blackexploitation y evoluciona , de su condición de “personaje recurso” inicial a ser un co protagonista más (lo cual se aprecia especialmente en la segunda parte, )

Los personajes protagonistas, incluso podría decirse que actúan como uno solo en su “viaje del héroe” particular, ya que juntos, comienzan en la aventura con inseguridad, van creando su propia empresa, logran ir controlando sus capacidades y armamento y se van enfrentando a los conflictos formando un equipo inseparable.

 Homenaje a fórmulas y arquetipos:

No obstante la película también es una “película homenaje” en forma y fondo. Sin escatimar a la hora de “beber” sin disimulo de diversos títulos de ciencia ficción y terror , exitosos en años anteriores y parodiando muchos de los elementos terroríficos , de los que ahora se ríe convirtiéndolos en caricatura descaradamente y a la vez aprovechando su tirón comercial, algo que también es importante tener en cuenta a la hora de valorar la razón de ser de la peli.

Asi pues tenemos divertidas referencias a películas “tótem”como “El exorcista” “The Exorcist” William Friedkin. 1973) , filme al que se alude en una escena de manera muy divertida y con tintes eróticos , sin resultar la escena en absoluto zafia u ordinaria. Posiblemente sea este sutil equilibrio entre terror-fantasía –humor donde reside uno de los más notables aciertos de la película. Pues todos sabemos lo fácil que es caer en el exceso o en la caricatura barata cuando se juega a las influencias y los guiños a otras películas , especialmente si además se trata de películas de un género tan abiertamente lúdico como es el terror. Pero aquí esto no sucede y es de agredecer, en mi opinión.

Otro de los logros de la película que yo exaltaría por encima de los demás es el lograr introducir en una comedia (a fin de cuentas eso es lo que es en última instancia la película, aunque sea una comedia terrorífica) a su vez a un personaje de “alivio cómico” sin que este resulte excesivo, sino todo lo contrario: absolutamente conveniente y básicamente imprescindible. Asi pues en “Los cazafantasmas “ tenemos a ese personaje que es “un poco más tonto o divertido que los demás”, y este no es otro en este caso que Louis Tully (el magnífico y prematuramente retirado Rick Moranis) el vecino torpón , feucho y bajito de la co protagonista. Este personaje , además actúa de manera que al mismo tiempo se convierte en parte de un curioso triángulo amoroso , ya que el personaje de Dana (Sigourney Weaver)es , no solo la motivación de índole romántica de Peter , sino también la del propio Tully , quien el pobre , vive también enamorado de ella. Tampoco es casualidad , en mi opinión) que esta esté interpretada por la protagonista de “Alien. El octavo pasajero” (“Alien” Ridley Scott. (1979) )  , ya que su personaje , podría decirse que también cumple con un rol muy en boga en dicha década , asi como en décadas anteriores e inmediatamente posteriores dentro del cine de género puro : La “Scream Queen”. Personaje femenino que se enfrenta al terror siendo además víctima de este.

Otro personaje llamativo es el de la secretaria de los cazafantasmas, un personaje neutro, que sin embargo es usado como un personaje “comodín” y que adquiere importancia en determinados momentos como “personaje cómico de apoyo” y que , de nuevo adquirirá un papel mas relevante en la segunda entrega..

Paradigma clásico para nuevos conceptos:

Y es que “Los cazafantasmas” vuelve a demostrarnos en el tratamiento de personajes , que no es solo una mera cinta de entretenimiento sin profundidad , ya que el apartado de las relaciones entre ellos, en como se relacionan y tratan unos con otros, está notablemente cuidado, y ayuda a resaltar la personalidad de cada uno de ellos y de hacerlos a todos importantes para la historia. Al final , resulta que los personajes importan tanto o más que la propia trama, algo difícil de lograr en un film que fácilmente podría haber caído en la caricatura facilona e irreverente.

Lo cierto es que pese a su tono lúdico , y que pudiese hacer en un principio pensar en una producción típica de Serie B , “Ghostbusters” es antes que nada , en su forma , una película de los estudios, con intenciones comerciales muy concretas. Y digo en su forma porque, analizando la estructura se aprecia que estamos ante un producto de “paradigma clásico” , con su presentación , nudo y desenlace , y sus plot points situados estratégicamente y sin dejar nada al azar.

La presentación sigue casi al pie de la letra la fórmula de Cecil B DeMille : Comenzar una historia en un punto álgido, y de ahí.. ir subiendo el tono y el ritmo poco a poco. De esa manera logra captar la atención del público de inmediato.

La película no deja de ser tampoco una pequeña mofa a toda la parafernalia clásica de lo “paranormal”: Ocultismo, parapsicología, fantasmogenia, leyendas, y toda esa clase de temas que siguen tan en boga hoy dia. Los cuatro protagonistas no en vano, podrían ser considerados como una distorsión en clave cómica de personajes del estilo de Iker Jiménez o el profesor Jiménez del Oso.. Y , a  su modo es la respuesta divertida ochentera y académica a décadas de interés por la ufología, el satanismo, la new age y toda una gama de intereses por lo “sobrenatural” del que los medios de comunicación , los consumidores , y por supuesto el propio cine se hacían eco de manera consciente , interesándose por ello, unas veces de manera más seria que en otras..

No en vano el film hace uso de muchos de los conceptos de este tipo de historias (residuos ectoplásmicos , capacidades extrasensoriales, electroactividad, proyección astral, espectro omni -vagante de clase 5 ..) y además idea un imaginario propio muy curioso, y original en su concepción , como tolo el armamento y utilitarios que se utilizan para cazar a los fantasmas y espectros.

El aparataje pseudo-científico ha marcado escuela y desde luego se ha convertido en una especie de “referente conceptual” de toda la cultura cinematográfica moderna con esa especie de fusiles laser y el aspirador de fantasmas, detectores, trampas, etc..

Aún asi “Ghostbusters” no solo se apoya en la trama y en los puntos de giro, bien definidos y situados, lo cierto es que la peli recurre a contundentes sustos y efectismos varios de buena factura , y contiene en ese sentido algunos instantes memorables por su impacto en unos casos (inolvidable para un servidor , aún hoy es esa escena en la Biblioteca municipal) y por lo divertido y cachondo de otros (como el ya clásico e igualmente difícil de olvidar momento del “cara a cara” entre el fantasma “Mocoso” y Peter , que acaba literalmente “moqueado” para la ocasión..)

Una comedia de terror que también cuenta con sus pequeños momentos de lo que podríamos llamar “acción”, casi de vodevil , pero efectiva, con su buena dosis de persecuciones , mamporros, caídas, huidas, etc. Que ayudan a completar la función y la dinamizan. 

Apuntábamos a que se trata de una película “Apta para todos los públicos” , lo cual no quiere decir que sea una “película para niños” , sino que puede ser disfrutada por todos. De hecho hay que decir que en el apartado del humor , los chistes y los chascarrillos , el filme contiene muchos momentos de “humor adulto” en el sentido de que la sutileza ( yo sobretodo la ironía y cierto cinismo implícito) de muchos de ellos  son más bien proclives a ser captados más bien por un público de cierta edad.

Memorable es en este sentido , por ejemplo la escena en la que Peter somete a un experimento “telequinético” con electroshock a dos jóvenes, una chica y un chico. Una escena desternillante en la que el humor en este caso es transmitido mediante la cantidad de información que se le va suministrando al espectador, y que solo conocemos nosotros y el “manipulador”, Peter. Quien no tiene reparos en dar calambrazos al chico y tratar de ligar con la chica haciéndole creer que tiene capacidades que sabemos que no tiene. Una escena, que, pasa del toque cómico al dramático – romántico (con mucha mala leche , eso si) en un abrir y cerrar de ojos y con una agilidad pasmosa.

La banda sonora es , definitivamente, otro de los puntos fuertes de este film, y en ella se apoya casi continuamente. Repleta de temas pop de lo más pegadizos (como el de sobra conocido tema central , interpretado por Ray Parker Jr. Aunque originalmente y de manera curiosa parece que  fue un tema compuesto y pensado para que lo interpretara Michael Jackson..) y melodías extradiegéticas que van acompañando  la acción y que cumplen con nota a la hora de ayudar a aportar suspense, terror , susto o romanticismo , todo ello en un conjunto de lo más heterogéneo. 

La función va avanzando sin prisa pero sin pausa hasta el clímax final donde se produce el mayor despliegue de espectacularidad y efectos especiales. Pero toda la película está plagada de pequeños momentos de impacto , como por ejemplo la persecución de uno de los perros diabólicos por la ciudad tras el personaje de Louis Tully. O cuando las entidades atrapan en su sillón al personaje de Dana. Todas ellas mezclando terror y ciertas pizcas de humor negro.

 “Pseudo-héroes y niños grandes”

“Los cazafantasmas” emplea la fórmula del personaje “pseudo-héroe” muy utilizada durante los 80 en diversas películas del estilo , aquí además de manera colectiva. Peter, Egon, Ray y Winston son en principio personajes sin demasiadas características de héroe . son físicamente mediocres, sin capacidades especiales. En definitiva, Son ciudadanos de la media.. del montón, que debido a su ocupación de ven obligados a tratar con problemas y amenazas no ordinarias, y eso actúa como acicate para que acaben tomando rasgos heroicos. Sin embargo Reitman no los hace entrar de lleno en la figura de “anti-héroes” ya que sus limitaciones y defectos son más bien “blancos” , “inocuos”.

La intención es claramente , que empaticemos con ellos y que incluso en algún que otro momento podamos identificarnos con ellos , o que incluso lleguemos a admirarlos. Los personajes son convertidos en héroes mediante la acción, como en la metáfora del Viaje del Héroe , antes mencionada. Toda la trama de entes sobrenaturales y amenazas demoníacas no es sino su viaje hasta la “segunda caverna” y el “retorno con su elixir”. Ellos , al destruir el mal personado en las entidades sobrenaturales durante su desenlace vuelven como héroes, en este caso los “héroes de la ciudad de Nueva York”, tras salvarla a ella y probablemente al  mundo de un mal desconocido al que seguramente no hubiesen podido enfrentarse sin los cuatro “salvadores”.

Pero es importante también el enfoque de “cuanto de hadas” y sobretodo de modernización de ese tipo de historias.. Aquí  los caballeros no llevan espadas sino instrumentos “científicos” y no se enfrentan contra dragones , sino contra fantasmillas, criaturas demoniacas y gigantescos muñecos ,que no dejan de ser finalmente la personificación de algunos de sus miedos, tal y como sucedía en muchas obras clásicas . Asi que no deja de usarse también el recurso primigenio : En cierto modo también se enfrentan  sí mismos.

Sus personajes (incluso los antagonistas o personajes de conflicto) son caricaturas, y todos ellos están muy sujetos al tono distendido de la acción interna. En ese sentido el mal no es tan amenazador , sino que se intenta encajar estos recursos terroríficos y amenazadores dentro de los esquemas cómicos, que en ningún momento se rompe. Pensemos en la maestría que supone ser capaces de contar una historia en la que el espectador pueda pasar algo de  miedo sin dejar de estar en última instancia ante una comedia , durante todo el tiempo de metraje.

Por último y un poco a modo de conclusión podríamos decir que esta película se encarga de explorar también la figura del adulto-niño, ¿de que manera?. Mediante la caricaturización y el comportamiento y carácter de los protagonistas. Los 4 personajes principales son adultos que en el fondo se comportan como niños. Asi pues ¿no es acaso esto un guiño en toda regla al síndrome de Peter Pan?

No, ellos no viajan al País de nunca jamás, sino que permanecen en un mundo urbanita, repleto de edificios, de vehículos, de oficinas, de problemas de índole económico con los que hay que lidiar , para llevar a cabo su sueño: El de convertirse en reputados parapsicólogos cazadores de amenazas fantasmales, que rompen un poco con la dinámica realista del resto del conjunto.

 Tampoco necesitan polvos mágicos para volar ni van en busca de sus sombras. En lugar de ello poseen armas con las que son capaces de enfrentarse a los fantasmas. Armas que ellos mismos han desarrollado y que no posee nadie más. Quizás ¿es que en el fondo solo ellos son capaces de soñar? De abstraerse a esa realidad Neoyorquina de problemas cotidianos y del sistema capitalista.. Y es por eso que cuando una amenaza desconocida y primigenia se abre paso “colándose” precisamente a través de uno de los grandes edificios que representan la opulencia del mundo desarrollado, son ellos los únicos que mediante sus armas (su fe en su sueño y proyecto personal) son capaces de plantarle cara y de vencerlo.

Porque a pesar de ser personajes “normales” , con vicios y virtudes puramente terrenales, en el fondo son los únicos que no han perdido la capacidad de soñar, de seguir siendo como niños grandes que se desmarcan del resto de la sociedad y que se convierten , en última instancia, en los únicos posibles héroes salvadores de la misma.

 

“RABIA”(1977)

Ficha Técnica:

Titulo original:“Rabid”
Año: 1977.
País:Canadá
Duración: 91 mins
Director: David Cronenberg. 
Guión: David Cronenberg.  
Producción: John Carmody, John Dunning, Danny Goldberg, André Link e Ivan Reitman
Fotografía: René Verzier
Música: Ivan Reitman.
Montaje: Jean LaFleur.
Dirección artística: Claude Marchand  .
Reparto: Marilyn Chambers (Rose), Frank Moore (Hart Read) , Joe Silver (Murray Cypher), Howard Ryshpan (Dr Keloid),Susan Roman (Mindy Kent), Patricia Gage (Dra Keloid), Roger Pariard (Lloyd Walsh), Terry Schonblum (Judy Glasberg) . 

 Sinopsis:

Una joven sufre un accidente de moto y queda malherida. Al ingresar en la clínica donde se la trata de sus  quemaduras se decide someterla a un novedoso tratamiento para regenerar sus tejidos, pero este presenta unos extraños e inesperados efectos secundarios convirtiendo a la joven en portadora de un extraño apéndice que emerge de su axila, con el que extrae sangre de otros seres humanos al tiempo que los convierte en enloquecidos y violentos autómatas asesinos que atacan y contagian a su vez a otros..

  

 Crítica:             
                                                  
La ratificación de un estilo de hacer terror

David Cronenberg rodó “Rabia” (Rabid,David Cronenberg,1977) un par de años después de su revolucionaria “Vinieron de dentro de..”(Shivers,David Cronenberg,1975 ) y eso se nota en su estilo , bastante parecido al de la obra citada. Casi podrían considerarse como primas hermanas, o incluso transcurrir en un mismo universo ficticio. De hecho ambas películas parten de una premisa muy similar: La de una joven que es sometida a algún tipo de experimento por parte de un médico o científico y a partir de ahí desarrollan en sus cuerpos algún tipo de amenaza que , a partir de ahí, se va expandiendo. Sin embargo aquí, la protagonista es un agente “activo”, que no es eliminado en el inicio y se dedica a experimentar y sufrir esos cambios corporales en si misma , los cuales no comprende , pero a los que debe seguir instintivamente y sin poder evitarlo.

“Rabid” vuelve a comenzar situándonos en un escenario cotidiano y familiar donde , una vez más , la intervención de la ciencia “experimental” desencadena una “mutación” en el cuerpo humano, y a partir de entonces una nueva amenaza desconocida y desconcertante empieza a hacer de las suyas. Cronenberg disfraza de nuevo su discurso de un halo de “medicina-ficción” que lo hace verosímil (que no realista) y que actúa como justificante de los sucesos que van ocurriendo. De esta forma se desmarca de toda la corriente de terror más “preternatural” , donde la amenaza suele provenir de un medio etéreo y mágico de difícil (o quizás demasiado fácil) justificación. El terror de Cronenberg podríamos decir por tanto que es más elaborado en ese sentido.

“Rabid” contó de nuevo con las labores de producción (y otros aspectos técnicos) de Ivan Reitman , y al igual que el título anterior del director , este film fue una pequeña obra triunfadora en Sitges, donde ganó el premio a, en esta ocasión , el mejor guión y a los mejores fx. Además supuso en ciertos aspectos la ratificación de  una declaración de principios , en la que su responsable confirmaba ser una de las nuevas promesas del cine de terror fantástico , y creador de un estilo de hacer cine , hasta cierto punto diferente , y muy coherente con respecto a sus intenciones de explorar el “gore” desde un enfoque “biológico”.

“Rabid” dispuso de  un presupuesto notablemente superior al de los anteriores trabajos del cineasta y contó en su haber con la estrella del cine pornográfico Marilyn Chambers como protagonista. No faltan las malas lenguas que dicen que una productora de cine erótico estuvo , en parte, detrás de la financiación del film y que fueron ellos quien impusieron a la “estrella” en un intento de relanzar su carrera como actriz de cine “convencional”. Algo que a fecha de hoy parece desmentido.. Chambers realiza un papel protagónico considerablemente solvente dentro de sus limitaciones, no exento de erotismo y mostrando su cuerpo en todo su esplendor el algunas escenas. La actriz finalmente se vería relegada (salvo contadas ocasiones) al cine de índole pornográfica durante el resto de su carrera, falleciendo prematuramente a los 56 años. Por lo demás “Rabid” es un perfecto ejemplo de “cine de autor” , desprejuiciado, transgresor y sin complejos. Aquí además vuelve a intervenir el actor Joe Silver , realizando un papel bastante similar al que ya desempeñase en “Shivers” por lo que se puede considerar al intérprete como otro nexo curioso entre ambas producciones.

Para este proyecto se contrató al director de fotografía René Verzier , responsable de la labor fotográfica de títulos como “La muchacha del sendero” (The Little girl who lives down the lane,Nicolas Gessner, 1976) , y quien realiza una labor notable en determinados aspectos visuales a la hora de mostrar la gélida atmósfera y el desolado panorama de algunos momentos.

No podemos pasar por alto, aunque sea a título circunstancial, que “Rabia” (Rabid,David Cronenberg,1977), se estrenó en plena fiebre de “cine de zombies”, siendo prácticamente coetánea con las obras de muertos vivientes caníbales y asesinos de las producciones hiperviolentas de Romero y Fulci , frente a cuyo renombre  quizás pudiese haber palidecido o incluso  pasado desapercibida. Y sin embargo esta supo hacerse un hueco y destacar en aquel panorama por méritos propios.  

Cronenberg y la “metáfora médica”

Cronenberg continúa aquí su exploración de las “mutaciones inducidas” sobre el cuerpo humano, haciendo uso del grafismo que le caracteriza. Por eso aquí asistimos a las modificaciones que sufre un cuerpo femenino normal, a partir de haber sido sometido a un tratamiento para hacer sanar sus heridas, mediante un supuesto injerto de piel , bajo el enigmático nombre de una clínica especializada en cirugía plástica,  la del doctor “Keloid” (palabra en inglés que significa “queloide”, es decir , lesiones cutáneas con malformación o crecimiento anómalo de tejidos) y a las consecuencias que todo ello tendrá en un entorno social que previamente nunca había conocido una amenaza similar  . Como vemos , las referencias médicas y al mundo de la ciencia son continuadas en esta etapa de la obra de Cronenberg  , algo que no es extraño teniendo en cuenta la familiarización del cineasta con el mundo de la biología .

Cronenberg parece considerar atractivas las texturas biológicas y en sus films parte de esta idea de “órgano evolucionado” que adquiere nuevas formas, utilidades y dimensiones. Aunque los efectos y resultados no sean del todo positivos desde un punto de vista moral o ético. Pero que aquí se nos muestran como algo que simplemente sucede, y hay que observar desde un prisma objetivo, sin entrar en valoraciones que no tendían sentido al observarlos en ,por ejemplo, un laboratorio.

Aquí Cronenberg , de nuevo, trata de hacer verosímil su discurso fantástico dotándolo de una aparente “explicación científica”. En la cual los aberrantes cambios corporales que además desencadenan la amenaza masiva son provocados , efectivamente, por una intervención ajena sobre el cuerpo humano , que hasta el momento era normal. Con lo que este pasa a desarrollar funciones con efectos no deseados. En este caso una especie de aguijón (de nuevo de aspecto peneano, como los parásitos gusanoides de “Vinieron de dentro de..” (Shivers,David Cronenberg,1975) ) , que a su vez emerge de lo que podríamos calificar como “agujero vaginal” situado en la zona axilar de la chica. El cual la misma utiliza , aparentemente por instinto, para alimentarse de la sangre de otras personas, absorbiéndolas  mediante un acercamiento de índole sexual , o mismamente como instrumento de defensa en un momento dado. A cambio, el fálico aguijón  transmite un extraño virus que provoca en las personas unos efectos parecidos a la enfermedad de la hidrofobia.

Aquí Cronenberg parece utilizar , sin lugar a dudas, el proceso de picadura que ejercería por ejemplo un mosquito ,para la alimentación y posible transmisión de patologías víricas , para su historia. Al mismo tiempo el comportamiento de la protagonista parecería asemejarse al de una mantis religiosa que actúa de manera violenta con su pareja reproductiva al consumar el coito. A fin de cuentas ¿no deja de ser esta una especia de parásito que se alimenta de sangre de víctimas a cambio de transformarlas en enfermos? Observemos que aquí Cronenberg también ejerce un interesante paralelismo de una infección desconocida y fatal de índole biológica con la propia idea de “vampirismo”. Además la joven parece necesitar la sangre humana como una droga , padeciendo algo parecido a un síndrome de abstinencia cuando no puede conseguirla.. La protagonista Rose, es la transformación que Cronenberg , con su terror científico hace de un icono clásico del terror como es el vampiro , que bebe sangre y transforma a su víctima en algo diferente de lo que este era con anterioridad al ataque. Pero a su vez los enfermos de “Rabia” enloquecidos que atacan e igualmente infectan a otras víctimas es la derivación que Cronenberg podría hacer , mediante el mismo proceso de otro icono terrorífico clásico (El Zombie , o su derivación más moderna , el “infectado” ) pasado por el tamiz del tratamiento del terror que le interesa a Cronenberg.

Las formas biológicas convencionales son utilizadas por el director para darles otra función diferente (En este caso un “pene aguijón” que en lugar de como órgano reproductivo sire para absorber plasma sanguíneo) . En determinado momento de la película un de las enfermeras le insiste al director de la clínica la no necesidad de emplear un injerto en el interior del cuerpo de la joven por riesgo de que esta pudiese desarrollar un cáncer. Como se aprecia Cronenberg no deja de usar referentes puramente médicos a los que somete a una “vuelta de tuerca” metafórica y en este caso la amenaza cancerígena deriva en algo nuevo y desconocido. Es toda esta serie de elementos los que conforman el nuevo concepto fantatarrorífico del director.
La estructura dramática que Cronenberg imprime a “Rabia” (Rabid,David Cronenberg,1977) es muy similar a la que poseía la anteriormente citada “Shivers”, y el director va explorando el entorno de diversos “personajes satélite” que van conformando parte de un todo. Si en la anterior obra del cineasta había numerosos vecinos del complejo de apartamentos que iban participando en la acción , Aquí por ejemplo tenemos a todo un grupo de pacientes de la clínica que residen en ella por estar siendo tratados allí , y el personal médico claro, que también van aportando su participación, breve pero definitiva , en la trama. En esta ocasión Cronenberg también parece querer dotar al personaje del novio de la muchacha , de cierto protagonismo o como personaje complementario. Una especie de co protagonista involuntario que asiste a toda una serie de hechos que no entiende , y que tan solo trata de solventar en determinados momentos.

Aunque la estructura es básicamente la misma que en “Shivers”, aquí la acción no se limita al complejo de edificios principal (en esta caso la clínica) donde todo comienza, sino que esta se extiende hasta la ciudad cuando la primera de las víctimas de Rose, es transladado a un hospital de la ciudad y a su vez empieza a extender la extraña infección por toda la urbe. Sus siguientes víctimas por su lado también muestran un hambre voraz que les lleva a practicar el canibalismo en otros lugares ,por lo que la infección va propagándose exponencialmente en varios lugares, antes de morir ellos mismos finalmente. Observemos que estamos , una vez más, ante la misma estructura de una enfermedad infecciosa: Un agente principal (en este caso Rose, la protagonista) infecta a varios sujetos que a su vez infectan a otros. Lo cual es básicamente como un proceso en el que una célula es infectada por el vector biológico y a su vez van infectando a otras células.. que a su vez también infectan.

 Nadie me quita de la cabeza que el título que nos ocupa ejerció una influencia considerable  en películas como “Especie mortal” (“Species”, Roger Donaldson, 1995) y otras cintas por el estilo, al menos en la manera de tratar a un personaje femenino con gran atractivo físico que además posee capacidades anormales o algún tipo de monstruosidad que la hace comportarse de manera violenta para completar su ciclo reproductivo o en este caso, alimenticio.

En este film además comienzan a concretarse gustos estilísticos y temáticos del cineasta como por ejemplo todo lo referente a accidentes de tráfico o colisiones entre vehículos, algo de lo que ya empezábamos a ver retazos en alguna escena de “Shivers” pero que se presentaría de manera mucho más evidente en posteriores obras del autor, llegando el culmen en “Crash” (Crash, David Cronenberg, 1996) de la que hablaremos largo y tendido en su momento. El caso es que “Rabid” es un interesante punto de inflexión dentro de la filmografía de Cronenberg en diversos aspectos y probablemente el inicio de lo que podríamos denominar como su “etapa de madurez” artística. En todo caso aquí se atreve incluso con las escenas de acción de planificación más compleja y elaborada , las cuales son introducidas en la trama de manera , quizás algo gratuita, pero sin dejar de causar impacto y aportando algo más de dinamismo a la peli. A destacar en este sentido la escena del tiroteo en el centro comercial , o todo lo referente al despliegue militar que pone a la ciudad en cuarentena. Y que da la sensación de , a su vez , estar bastante inspirada en otra obra de culto como es “Los crazies” (The Crazies, George a. Romero, 1973)

 Lo cierto es que esta es una película que rebosa pesimismo por los cuatro costados, y Cronenberg pone todo al servicio de tal objetivo. Empezando por la música apagada , la iluminación tenue de algunas escenas, el tono y el ritmo, muy lento , y que se toma su tiempo para , poco a poco ir logrando que nos metamos en la historia con un comienzo casi de telefilm dramático. El retrato que el director hace sobre las zonas húmedas y los paisajes semi-boscosos de la fría zona típica canadiense , lluviosa y nevada. Hasta se permite el hecho de desarrollar al máximo las escenas melodramáticas relativas especialmente al accidente y posteriormente a la desesperación que nuestra protagonista experimenta en momentos puntuales ante su situación.

“La enfermedad nos hace autoconscientes”

Ya en el momento de rodar este film quedaba claro que el núcleo del discurso de Cronenberg es la enfermedad. El caldo de cultivo de sus argumentos. Cronenberg explora la enfermedad en todas sus facetas (físicas y mentales) en sus historias. Pero además en este caso la “enfermedad” , o llamémosle mejor “condición” que sufre Rose, la insta a luchar por sobrevivir como un ser extraño en un ambiente que le es hostil, y en el que debe desenvolverse como un virus en el interior de un cuerpo. Sin embargo ella, también resulta ser un ser hostil para el medio en el que se mueve y trata de sobrevivir a costa de contaminarlo de manera forzosa y sin poder evitarlo. En este caso Rose es el virus que difunde la enfermedad y ella solo parece ser parcialmente consciente de ello. Ella simplemente lleva a cabo un ciclo para el que su nueva morfología física la ha preparado , y se ve forzada a hacer lo que hace , como necesidad fisiológica, sin pararse mucho a pensar si está bien o mal. Durante la mayor parte del tiempo tampoco parece comprender que ella es el agente transmisor de la extraña enfermedad que convierte a la gente en un peligro , y acaba finalmente con ellos.

Es curioso que la protagonista sea autoconsciente de que algo extraño la pasa pero no parece entender exactamente lo que es. De esa manera experimenta un gran placer al alimentarse de sangre humana pero su cuerpo rechaza cualquier otro alimento, incluida la sangre animal, debiendo esta en parte voluntariamente y en parte de manera forzosa, a renunciar a todo aquello que no sea hincarle el aguijón a otros congéneres. Llegando incluso a acabar con su mejor amiga a causa de su estado . Finalmente la única vacuna parece ser el suicidio.

La sexualidad y sus posibilidades, la violencia explícita y la carne modificada, todas estas obsesiones artísticas del canadiense están también plenamente presentes en esta historia, donde no tiene reparos en mostrarnos con toda su crudeza escenas de agresión, malformación corporal y sexo violento. A fin de cuentas Eros y tánatos  en toda su extensión. Pero que a David Cronenberg le sirven para exponernos algunas de sus inquietudes, que según su criterio personal, deben de ser mostradas a cámara , sin elipsis y sin ocultaciones (inolvidables esos primeros planos del injerto-mutante emergiendo del agujero carnoso que tiene en su cuerpo la protagonista) . Finalmente , reina el caos y cuando la enfermedad ya está lo suficientemente extendida se produce el inevitable estado de sitio , para eliminar la “infección” de manera implacable y poder terminar de una vez con la amenaza (como un cuerpo que libera defensas masivas para terminar con el virus) y el final de la historia rebosa dramatismo, siendo sus últimos momentos realmente emotivos.

“Rabia” (Rabid, David Cronenberg,1977) es un film totalmente disfrutable para los amantes del fantástico, y que posee todos los ingredientes para no dejar indiferente a cualquier fanático del terror. No en vano posee cierto regusto a aquellas añejas producciones de invasiones de los años 50 y 60  , pero al mismo tiempo con las señas personales y ,por aquel entonces novedosas, que su autor imponía como directriz principal. También es de menester , y a modo de conclusión ,decir que “Rabid” es explícita pero no gratuita. Sino que todos los elementos mostrados en pantalla responden a una intencionalidad muy clara, y están (a pesar de su naturaleza morbosa y gráfica) bien dosificados cual efectivo medicamento , por lo que no resultan en modo alguno excesivos ni redundantes.

Curiosidades:

- Sissy Spacek fue la primera opción de Cronenberg para el papel protagonista. Sin embargo Ivan Reitman propuso a Marilyn Chambers como una mejor opción, alegando que el rol necesitaba “Sex Appeal”, además de considerar que el acento texano de Spacek no era demasiado apropiado para el Film . Un poster de “Carrie” (Carrie, Brian De Palma,1976) puede verse , como un guiño a este hecho, en la escena en la que Rose pasea por la calle tras salir del cine porno.

- La canción que suena en la radio del taller del novio de la protagonista cuando este se encuentra reparando el motor es el tema “Benihana” cantado por la propia Marilyn Chambers.

- El título portugués de la película es “Enraivecida na Fúria do Sexo” . Algo asi como “Enrabietada por la furia del sexo”.

- Entre los diversos  “gazapos” que contiene la película, uno de los más notorios y evidentes sucede cuando uno de los “infectados” se sube al parabrisas del coche del novio de la protagonista y es abatido de un disparo. En el momento en que los miembros del grupo de limpieza acuden a desinfectar el cristal lleno de sangre. Puede verse claramente al cámara que rueda las tomas desde dentro del vehículo, filmando con su cámara, a través del cristal.

- La moto en la que se estrella la protagonista y su novio es una 750cc Norton Commando. La película incluye además numerosos guiños al mundo de las motos y los moteros. Por ejemplo en una escena se vislumbra el poster de “Easy Rider. Buscando mi destino” (Easy Rider,Dennis Hopper, 1969).

- Las “Hermanas Soska” realizaron un remake de este título y hasta tuvieron la idea de desarrollar una posible serie de T.V basada en el film. El remake se estrenó en el año 2019

“VINIERON DE DENTRO DE..” (1975)

Ficha Técnica:

Titulo original: “Shivers”.

Año: 1975

País: Canadá

Duración: 87 min. Director: David Cronenberg

Guión: David Cronenberg

Producción: Don Carmody, John Dunning, André Link, Alfred Pariser, Ivan Reitman y Peter James.

Fotografía: Robert Saad .

Música: Ivan Reitman

Montaje: Patrick Dodd

Diseño de producción: Don Carmody.

Reparto:  Paul Hampton (Roger Saint Luc), Joe Silver (Rollo Linskey), Linn Lowry (enfermera Forsythe), Alan Kolman (Nicholas Tudor), Susan Petrie (Janine Tudor), Barbara Steele (Bette) , Ronal Mlodzik (Merrick), Barry Baldaro (Detective Heller)  .

 Sinopsis:

Una pareja se translada a su nueva vivienda, un novedoso bloque de apartamentos en un idílico y tranquilo enclave, solo para descubrir que un científico ha creado unos parásitos que se introducen en el cuerpo de las personas para presuntamente sustituir  órganos dañados, desatando en ellas un profundo y descontrolado apetito sexual. Poco a poco los seres agusanados se van abriendo paso por el lugar invadiendo el edificio y parasitando a sus habitantes.                                                      

Crítica:

Pionera de un estilo y sub-género

Con “Vinieron de dentro de..” (“Shivers” , Aka ”The parasite murders”.David Cronenberg. 1974) el director canadiense comenzaba (tras diversos trabajos experimentales, de encargo, y para T.V) a sentar las bases de un estilo que pronto le granjearía el sobrenombre de “el Maestro del terror venéreo”. Un tipo de terror adscrito a la ola de la llamada “Nueva Carne” y que en el caso de Cronenberg se basa fundamentalmente en un terror visceral, directo , basado en la obsesión por la “enfermedad” y los cambios que esta (así como los procesos médico-científicos y sus inventos) produce en el cuerpo humano. Entendiendo la enfermedad , no como un proceso necesariamente destructivo sino más bien , como un proceso evolutivo o de metamorfosis.

Pero esta película no solamente empieza a establecer de manera sólida los cimientos temáticos y estilísticos de su director , sino que también además y a su vez ratifica elementos estéticos que definitivamente debían interesar a Cronenberg en un amplio periodo de su carrera fílmica y que enlaza directamente con sus primeras obras experimentales y en blanco y negro: La acción dentro de determinados microcosmos escénicos.

La acción se sitúa aquí en un postmoderno y hasta cierto punto idílico complejo de apartamentos sito en una isla . Allí , y ya desde el inicio Cronenberg empieza a suministrarnos retazos importantes de información que despiertan nuestro interés como espectadores , pero que no nos ayudan a entender lo que sucede ni por qué hasta mucho más tarde , cuando se nos explica con pelos y señales. En este caso , un hombre asesina a una muchacha y la abre en canal rociando después sus entrañas con un líquido corrosivo..es el científico , asesinando a su “conejillo de indias”.

A partir de ese momento se va desarrollando la acción. Es curioso que Cronenberg nos va mostrando el desarrollo global de los acontecimientos centrándose en diversos personajes, muchos de ellos secundarios, enseñándonos su carácter, su rutina y lo que les sucede. Para hacernos una idea, a Cronenberg le interesa indagar en estos personajes ,como si de componentes de una tragedia de teatro se tratase, lo cual le otorga al film cierta estructura “episódica” como si cada uno de estos personajes tuviese su momento de protagonismo e importancia, no limitándose solamente a los protagonistas principales.

De esta manera se crea la sensación de que precisa y simplemente no hay protagonistas en el film , Al menos no protagonistas claros, sino tan solo personajes más principales que otros. Casi podría decirse que finalmente el protagonista absoluto de la película es “la enfermedad” en forma de organismos parásitos que se van abriendo paso por el lugar e infectando a la gente hasta invadir el edificio como un virus invade un cuerpo enfermo.. De hecho podríamos decir que Cronenberg sabiamente nos propone casi este esquema en su singular estructura narrativa, que además en el caso que ahora nos ocupa resulta ser notablemente lenta y densa.

Además y en cuanto al apartado estético ,no podemos pasar sin mencionar el escenario en el que se sucede la acción: Uno de esos enormes y postmodernos edificios en contraste con el espacio natural que lo rodea (Algo a lo que Cronenberg llevaba ya recurriendo como recurso visual desde sus primeros trabajos) . El postmodernismo del presente-futuro, en contraste con el pasado natural y vegetal del bello , ya  la vez extraño, paisaje canadiense.

 Premonición de arte y ensayo

 y es que unos pequeños y extraños organismos, están invadiendo el lugar e introduciéndose dentro de las personas. Una vez en el interior del nuevo huésped humano, este ultimo desarrolla una desmesurada apetencia sexual , lo cual es utilizado a su vez por estos parásitos para infectar a nuevos cuerpos a través del contacto erótico-sexual que estas personas desempeñan con otros humanos, lo cual recuerda demasiado claramente al proceso de una infección de enfermedad de transmisión sexual.

No faltaron en su momento las voces observadoras que se aventuraron a tildar a Cronenberg de verdadero “agorero de la aparición del virus del VIH”, pues su película , rodada a mediados de los 70 parecía aventurar , en muchos aspectos, lo que sucedería casi una década después en todo el mundo.

Los personajes del complejo de apartamentos, atrapados en esa isla sienten el miedo de ser atrapados por una especie de horda de zombies humanos, hambrientos de sexo desenfrenado dispuestos a contagiarlos. La presunta metáfora con respecto al contagio de una enfermedad venérea parece muy evidente, y sin embargo el espectador tiene ,en todo momento la sensación continuada de estar simplemente ante un film de terror y ciencia ficción, con todo tipo de momentos asquerosos (Inolvidable la escena del pobre hombre infectado vomitando parásitos sanguinolentos desde su terraza , los cuales caen sobre el paraguas de un par de paseantes ) , delirantes, desasosegantes y hasta cierto punto “gore”. Digo “hasta cierto punto” , porque , si bien es cierto que los fx son correctos y logran su objetivo con respecto al espectador, no es menos cierto que , al menos vista hoy día , queda claro que en ese aspecto la película muestra evidentes limitaciones presupuestarias , y el planteamiento de algunas de las escenas más sangrientas ,o que muestran a los parásitos , están planteadas con cierta torpeza, haciendo uso de forzadas elipsis y del fuera de campo, para evitar que se vea la trampa y el cartón..

De todas maneras , el feísmo y la sordidez que Cronenberg sabe imprimirle  a su obra mediante la atmósfera, los encuadres y la ambientación hacen que las limitaciones técnicas pasen en cierta medida, desapercibidas, pues logra que nos metamos de lleno en la historia y la “suframos” sin pararnos demasiado a pensar en ello.

La fotografía y la música (correcta pero desencantada y poco vistosa) así como la generalidad del apartado técnico resulta, como en el  siguiente trabajo del director “Rabia” (“Rabid” ,David Cronenberg. 1977) , seco , deslucido, y hasta algo basto y áspero en líneas generales, sin que esto sea bueno ni malo , pues de hecho , y en mi opinión personal, forma parte del carácter intrínseco de la película y le otorgan encanto y autenticidad.

También la mayoría de actores presenta visibles limitaciones actorales, debido a que muchos de ellos (a pesar de contar con pesos pesados del fanta-terror como la insigne Barbara Steele)  no eran profesionales , o tenían más bien poca experiencia en su haber. Y es que la película fue financiada por la NFB de Canadá , con un presupuesto aproximado de 179.000 dólares y el rodaje del Film no duró más que unos quince días. 

 Artesanía y minimalismo al servicio de un terror diferente

Y es que aquí viene la parte más interesante del “terror” que Cronenberg cultivó durante los inicios de su carrera . El terror de Cronenberg no es un terror metafísico, gótico, sobrenatural.. sino un terror más bien “científico”, un “terror médico” que, a su modo , deconstruye los elementos arquetípicos del terror clásico y los reinventa. Es decir, en el cine de Cronenberg no encontramos vampiros,  zombies o marcianos invasores, en el estricto sentido de la palabra. Sino que lo que encontramos son una especie de “sucedáneos” o sustitutos en forma de personajes con órganos que extraen sangre e “infectan” , seres humanos enfermos de rabia que se comportan como muertos vivientes , o parásitos con forma de gusanos  que se introducen en el cuerpo de la gente y los controla , modificando su voluntad. Como es este el caso del film del que estamos hablando..

También es interesante como a Cronenberg lo que más le interesa son los cambios físicos que las amenazas extrañas provocan en el cuerpo humano y en su carne, abriendo todo un nuevo campo de  posibilidades. Cronenberg parece realmente querer mostrarnos ese proceso degenerativo o enfermizo como algo abiertamente fascinante.

Los parásitos de “Vinieron de dentro de..” (“Shivers” , Aka”The parasite murders”.David Cronenberg. 1974) son sencillos en su concepto: gusanos de aspecto fálico , parecidos a babosas gigantes y negras, que fueron creadas por un doctor el cual trataba de experimentar con la libido humana para librar a los individuos de todas sus inhibiciones morales y transformar la sociedad  en algo así como toda una suerte de “orgía” , y que sin embargo en un momento determinado , el experimento se le va de las manos y trata de acabar con él, cuando ya es demasiado tarde pues la infección está demasiado extendida.

La película juega también  mucho con el aspecto psicológico de los personajes y con el miedo a no saber quien está realmente contagiado, pero sin embargo sospecharlo y hasta tener prácticamente la certeza de ello , pero no poder corroborarlo a ciencia  cierta. Es esa desazón y desasosiego los que se contagian al espectador, y el cual es un miedo muy parecido al que usase por ejemplo John Cárpenter en “La cosa” (The Thing. John Carpenter. 1982) , basado en gente atrapada en un mismo lugar junto con otras personas en las que no pueden confiar.

Destacable a cuento de esto es la escena de uno de los personajes principales observando a su pareja desnudarse frente a él de manera sensual y un tanto sugerente y empezar  a sospechar que está infectada y que está realmente tratando de seducirle para infectarle a él también.

La película contiene todo aquello que en su momento podía impresionar al espectador medio “bienpensante” : Gore, parásitos de aspecto desagradable, violencia, asesinatos, homosexualidad, suicidios, pederastia, incesto, orgías masivas, terror… Hay escenas que pasaron a la historia como verdaderos iconos del fanta-terror y la Sci fi de los años 70. Como la inolvidable escena de la mujer en la bañera que es atacada por un parásito que se introduce en su cuerpo por salva sea la parte..(Una escena muy imitada y homenajeada con posterioridad). Todo ello terminó de cimentar una fama que Cronenberg ya había apuntado durante años anteriores, como cineasta novedoso , personal y transgresor.

No dejan de ser curiosas las referencias al mundo del arte y de la ciencia que Cronenberg hace en diversos momentos, como por ejemplo en lo que al nombre de ciertos personajes se refiere, y que no es casual: Por ejemplo el científico creador de los seres fálicos y malvados se apellida Hobbes, como el filósofo inglés ,autor de la idea del “Leviatán”.. y que crea un interesante paralelismo con la idea central del film : Aquí el contrato social se ha visto destruido, y ya solo queda el instinto salvaje y primario. 

Cronenberg y la fascinación por la carne “enferma”.

Si tuviésemos que encontrar una constante presente en la primera etapa cinematográfica de David Cronenberg sin duda sería la de el interés por la carne alterada, por los organismos enfermos y por el propio proceso degenerativo al que el ser humano es sometido mediante la “infección” o “afección” . ¿En qué sentido? Cronenberg no parece entender la enfermedad como algo abiertamente negativo o aberrante sino como un proceso biológico natural y en cierto modo inevitable.

Es interesante atender a las palabras que el director canadiense dijo en cierta ocasión durante una entrevista: “Un virus solo trata de seguir su proceso vital, su ciclo .. y para ello tiene que infectar. El hecho de que ese virus te esté destruyendo mientras lo hace no es culpa suya..” No es por tanto difícil comprender , o al menos intuir cual es el punto de vista que Cronenberg trata de imprimirle a la “enfermedad” en sus historias. Como decíamos antes, el de un protagonista más , o quizás incluso el del protagonista principal. Aquí tenemos a un gusano creado artificialmente que sigue su proceso para el mismo fin para el cual fue creado, pero que sin embargo y a lo largo de su ciclo reproductivo acaba causando estragos entre la población humana que habita en el complejo arquitectónico donde se desarrolla la trama.

Finalmente la cosa alcanza tintes bastante apocalípticos y pesimistas , cuando tras una orgía sexual de “todos a la una” en la piscina pública del edificio la totalidad de habitantes acaban infectados y deciden salir de la isla para empezar a infectar a más gente , extendiendo asi la infección de manera masiva, quien sabe si por todo el país o por todo el planeta.

Con “Vinieron de dentro de..” (“Shivers” , Aka”The parasite murders”.David Cronenberg. 1974), se abre  un periodo artístico dentro de la carrera de su autor, que abarcaría, en mi opinión , hasta el film “Videorome” (Videodrome. David Cronenberg . 1983) ,Y que podríamos calificar como el periodo en el que Cronenberg aporta seguramente sus conceptos estilísticos más personales y novedosos. Pues son films en los que Cronenberg trata más directamente estos “cambios” que los personajes experimentan debido a diversas patologías o elementos exteriores que interfieren en su organismo y los hacen evolucionar y desarrollar capacidades desconocidas hasta el momento. El “enfermo” en  el cine de Cronenberg no es un desvalido o un discapacitado, sino más bien podríamos decir , una especie de “elegido” , que parece ser un nuevo “eslabón” dentro de la cadena evolutiva, casi un “superhombre” con nuevas capacidades físicas y mentales, que en ocasiones es destruido (Como en “Rabia” (“Rabid” ,David Cronenberg. 1977)  pero que en otras sobrevive, saliendo victorioso y hasta incluso  convirtiéndose en una especie de  salvador o al menos personaje triunfante , como en “Scanners” (“Scanners”, David Croneneberg.1981) o en la ya mencionada “Videorome” (Videodrome. David Cronenberg . 1983).

Ilustrativas en este aspecto son otras declaraciones que Cronenberg hizo en otra ocasión, en la que manifestaba: “Yo siento que debo mostrar ciertas cosas en mi cine porque veo e imagino cosas que la gente no puede ni imaginar… El ser humano debería poder evolucionar a  formas físicas que nos son inimaginables. Por ejemplo desarrollando órganos para el placer erótico , sin que estos tuvieran necesariamente que ver con el sexo.”

Podemos pensar por tanto que Cronenberg sugiere con su imaginario que la carne podría trascender sus propias limitaciones sin necesidad de máquinas ni “extensiones” y en lo que podríamos llamar  una especie de “sustitución” o variable de las teorías de Marshall McLuhan . Conceptualmente no podemos negar el interés que estas ideas tienen y que hicieron que muchos ensayistas y críticos llegasen a denominar en alguna ocasión al director como un “visionario de la carne”.

En el caso de “Shivers” podría decirse que el parásito agusanado logra romper esa barrera de tabúes y autocontrol que la sociedad ha ido imponiendo en el ser humano durante mucho tiempo para , sencillamente dar rienda suelta a sus instintos naturales. Con esta película Cronenberg compone una obra personal , donde seguramente empezó a plasmar sus obsesiones de una manera seria y concreta, que sin embargo , y quizás de manera involuntaria , si contiene ciertos momentos que , al menos hoy en dia , pueden resultar algo hilarantes para el espectador más curtido y versado en este tipo de cine más gráfico, como por ejemplo en la escena del gusano atacando a dos ancianos trepando por el palo de su “bastón andador”. Pero el tono general de la historia sigue resultando tan seco (y hoy dia ya con sensación de algo añejo y desfasado) que la película continúa logrando dejar una impronta de mal rollo en el público.

Sin duda “Vinieron de dentro de..” (“Shivers” , Aka”The parasite murders”.David Cronenberg. 1974) se puede considerar ya todo un clásico del terror moderno, que sentó numerosas bases, al tiempo que tomaba ejemplo de otras ya establecidas, pero con una personalidad nueva y fresca que en buena medida sigue conservando su capacidad de impacto , y que , aunque ya queda dentro de un contexto temporal muy concreto y determinado, ha soportado el paso de los años como título de referencia.

Hay que decir que la acogida inicial de la película no fue alentadora, y la crítica se cebó con ella. Pero el paso del tiempo y sobretodo el factor “culto” la han puesto en el lugar que ocupa actualmente, siendo considerada por la mayoría un film a tener en cuenta por todo aficionado que se precie.

Curiosidades:

- El periodista canadiense Robert Fulford atacó la película con crudeza en sus artículos para el “Saturday Night”, y puso de relieve que la película estaba financiada en buena medida por dinero público mediante el jocoso titular : “Deberían ustedes de saber lo mala que es esta película. Pues ustedes pagaron por ella..” Cronenberg manifestó con posterioridad que este encarnizado ataque en los medios no solo le dificultó mucho encontrar financiación para sus posteriores obras sino que además culpó a Fulford de que incluso su casero le echase del apartamento que ocupaba en Toronto por aquel entonces.

- De acuerdo al testimonio de la actriz Lynn Lowry .En la escena en la que la enfermera Forsythe apuñala el hombro de otro de los personajes, en realidad la actriz apuñaló el hombro del propio Cronenberg, quien se puso una prótesis para hacer de doble de cuerpo en esa escena. Sin embargo la prótesis encajó mal y la actriz Lynn Lowry apuñaló el propio hombro del director.

- El extraño animal que el detective Heller tiene en un acuario (y que puede verse claramente en la escena en la que este habla por teléfono) es un “Cecílido”, un gimnofión ,anfibio invertebrado y casi ciego muy común en el sur de América.

- La actriz Susan Petrie era incapaz de llorar , por lo que Cronenberg la permitió usar cebolla para estimular sus ojos en una de las escenas, sin embargo hubo que repetirla tantas veces que la cebolla se les acabó, y la actriz instó al director a que la abofeteara para hacerla llorar.

- El poster que aparece en el muro de uno de los sótanos muestra a la Playmate del mes de la revista Playboy de octubre de 1971 , Claire Rambeau . El poster aparecía como poster central de esa edición.

- Cronenberg fichó a la actriz Lynn Lowry por sus rasgos extraños , su mirada felina, y porque su apariencia general le parecía singular y atípica.

- La película se filmó durante el verano de 1974, año en que se estaba disputando la construcción del Estadio Olímpico de Montreal, para acoger los juegos de 1976. Este dato aparece , de hecho, reflejado en el film.

- En el audio-comentario de una de las ediciones en DVD uno de los actores afirma que durante la escena final algunos de los miembros del equipo técnico que estaba tras las cámaras , se despojaron de sus ropas y se lanzaron al agua sin que el director se percatase de ello. La escena final que se grabó incluye a los miembros del equipo lanzándose al agua, lo cual se conserva en el montaje final.

- En las proyecciones en pantalla grande del cine se veían los hilos con los que los gusanos parásitos eran manejados, lo cual pasa desapercibido en cualquier pantalla pequeña.

- Ivan Reitman ejerció de productor en esta película y en la saga de “Cazafantasmas” el director realiza diversos guiños a esta , por ejemplo incluyendo un poster del film en la escena en la que la gente sale en masa del cine , asustados por los espíritus en “Cazafantasmas 2” (Ghostbusters 2. Ivan Reitman. 1989).